EL ARTE INFANTIL

El arte infantil son los dibujos, pinturas y otras obras artísticas creadas por los niños. Los dibujos infantiles son la expresión del niño.

A medida que el niño se desarrolla, su arte pasa por una serie de etapas:

1. Etapa del garabato: 

a) Garabato sin control (14-15 meses), caracterizado por trazos impulsivos, no asocia grafismos.

b) Garabato controlado (aprox. 2 años), hay una relación entre los movimientos y los trazos.

c) Garabato con nombre (aprox. 3 años y medio), transmiten conceptos, empiezan a asociar formas con la realidad.

2. Etapa preesquemática (4-7 años):

Comienzan con renacuajos con detalles que nos dirán en la posición en que se encuentran mentalmente. No representan la realidad, aunque si la tienen presente mentalmente. Desaparencen los garabatos y aparecen las formas.

Dibujan lo que saben, no lo que ven, y evitan los espacios prefijado. No existe orden en el espacio.

Están influenciados por la escritura.

3. Etapa preesquemática (7-9 años):

Trabajan con su propio esquema, su conocimiento. Son esquemas naturalistas, hay variaciones en la figura humana. Aparece la línea base de la tierra y la línea del cielo. Representaciones conceptuales, hay superposición de figuras. Hay representación de espacio-tiempo.

4. Etapa realista (9-11 años):

El niño evoluciona en los diferentes campos, adquieren conciencia de pertenecer a un grupo. Quiere hacer una representación fiel de lo que ve. Hay una representación del entorno, de lo natural. 

La línea base comienza a desaparecer, y empieza a usar la perspectiva. 

Puede no controlar los tamaños y la distancia.

Hay obsesión por la representación del movimiento.

5. Etapa pseudonaturalista (11-13 años):

Hay cierta formación. Encontramos dos personalidades: racional y emotiva.

Tendencias hacia la caricatura, diferencia entre personalidades de sexo,

6. Etapa de la decisión (13-17 años):

Refleja los dos tipos de expresión artística:

- Mentalidad objetiva

- Mentalidad subjetiva

Se comunica con el mundo a través de los ojos.

Hay trabajos de copia. Cuanta más copia más inseguridad.

EL ARTE CONTEMPORÁNEO: CUBISMO

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con la perspectiva. En el cubismo se trata a las figuras de la naturaleza como figuras geométricas, adoptando una perspectiva múltiple. Pero los géneros que se pintan no son nuevos: bodegones, paisajes y retratos.

Surgió en la primera década del siglo XX en París. Podemos decir que el precursor del cubismo fue Cézanne y el arte de otras culturas, en especial la cultura africana.

Este movimiento se inicia con el cuadro de "Las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso.

El Cubismo se identifica con las siguientes etapas:

1. Primitivismo: el primer año del cubismo está presente la figura de Cézanne, hay una fragmentación de las formas y del espacio. 
   
2. Cubismo analítico: se parte de la observación de la realidad para proceder después a su destrucción. Resultaba un conjunto de planos indescifrables.
3. Fase hermética: Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión
   
4. Cubismo sintético: Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos". Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación.

LA PUBLICIDAD

La diferencia que existe entre el arte y la publicidad, es que el arte es un lenguaje que podríamos denominar centrípeto, ya que tiende a ser un medio en sí mismo, mientras que la publicidad sería un lenguaje centrífugo, donde la finalidad no es la imagen plástica, sino en el efecto comercial que esta produce.

Pero las imágenes publicitarias con el paso del tiempo pierden su función, dejan de ser reclamos y se transforman en iconos.

Durante la clase teórica en la que tratamos la publicidad, tratamos muchos temas relacionados con el arete contemporáneo, y los mensajes que encierran las campañas publicitarias.

Hablamos de Yolanda Domínguez, que trabaja la micronarrativa, basada en la crítica social a través del arte contemporáneo.

La primera imagen que hemos visto pertenece a la campaña primavera-verano de Chanel:

Lo primero que hicimos fue analizar la imagen, qué elementos nos llamaban más la atención. Tras este pequeño análisis vimos un vídeo realizado por Yolanda en el que coge  vídeos de varias mujeres de todo el mundo, que la mandan a través del proyecto "Poses" y que ella misma convocó por las redes sociales. Este vídeo es una crítica sobre las poses humillantes que se encuentran en las revistas.

Estas poses subrealistas tratan de impactar visualmente sobre el lector.

Abajo os dejo un pequeño boceto y los aspectos objetivos de este tipo de publicidad junto con las características de la imagen.

PERSONAJES IMAGINARIOS

Son personajes que solo existen en nuestra imaginación y los plasmamos en un folio, para darlos una existencia. Estos personajes muestran nuestros deseos de cambiar los seres que habitan, es decir modificar la realidad en la que vivimos, por una que nos gustaría que existiese. 

Cuando creamos un personaje imaginario, no solo creamos un ser, si no que a la vez creamos un paisaje, un mundo nuevo en el que habitara y convivirá nuestro personaje.

Nuestro ejercicio trata de crear personajes imaginarios, después de realizar las distintas interacciones entre las figuras planas realizadas en clase.

La única norma que existe es que los personajes tienen que estar creados a partir de las interacciones entre las figuras planas anteriormente vistas.

A partir de mis interacciones, y de numerosos retoques os voy a mostrar los personajes imaginarios que salieron.

Os advierto que no son gran cosa, pero bueno son una parte de mi y de mi trabajo en esta asignatura.

INTERACCIONES

Este post trata sobre las figuras planas y sus interacciones:

- En primer lugar seleccionamos una imagen al azar del cuento que hemos tratado anteriormente, y de esta, seleccionamos el contorno de la figura que nos interesa.

- A partir de este momento creamos dos figuras planas.

- Una vez tenemos plasmadas nuestras figuras en cartulinas procedemos a crear las distintas interacciones:

1. Interacción tocándose:

Ambas figuras interaccionan entre sí, tocando algunos de sus extremos entre ellas, así con esta interacción podemos formar nuevas figuras.

2. Interacción distancia:


En este tipo de interacción, las figuras no tienen contacto entre ellas.

3. Interacción transparencia:

Aquí las figuras están encima unas de otras, pero la figura que queda abajo se transparenta en la de arriba. Es decir podemos seguir la continuidad de la línea de la figura.

4. Interacción superposición:

Las figuras están superpuestas unas sobre otras, pero en este caso no hay transparencia, por lo que se crean nuevas imágenes planas.

5. Interacción mediante intersección.

El corte de dos cuerpos planos, es decir la parte que tienen en común desaparece.

6. Interacción mediante sustracción:

7. Interacción mediante unión:

Creación de una nueva figura mediante la unión de su contorno.

8. Interacción mediante penetración:

REFORMAS, REFORMAS...

Reformas, reformas y más reformas en la educación. 

Borradores que asustan e insultan. Y nuestros queridos representantes qué hacen, se supone que tienen que luchar por una educación ejemplar y digna. 

Nuestro "querido" ministro de educación nos propone un borrador bastante preocupante para la educación, propone que la Educación Artística sea convertida en una optativa, ya que desde su punto de vista, punto de vista forjado desde las finanzas, distrae de las demás asignaturas. 

Claro, es que el modelo que el nos propone es mucho mejor, cada vez intenta asemejar más la educación actual con la educación que a él se le impartió. Una escuela sin artes plásticas, pero claro con la asignatura de Religión en primer lugar y que cuente para la media. 

Querido Ministro yo a usted le digo que si entra en muchas de las carreras que actualmente se imparten, verá como muchas de ellas necesitan de las artes para poder ser aprobadas, necesitas saber dibujar. Lo único que usted quiere es que todos los seres seamos peleles suyos, que no haya asignaturas que puedan llegar a liberar nuestra mente y tengamos libertad, la libertad que nos da el arte, la capacidad de protesta, nuestra capacidad de expresión.

De acuerdo que no somos los mejores estudiantes del mundo, pero al menos intentamos formarnos, cosa que ni siquiera vosotros nos dejáis, ya que buscáis una educación elitista. Todos tenemos derecho a una Educación y vosotros poco a poco estáis arrebatándonos ese derecho, derecho que ni siquiera vosotros ejercisteis, ya que muchos llegasteis al poder sin formación alguna. Ustedes, sois los que cambiáis cada 4 años la educación en España, reforma tras reforma, para que, para crear una sociedad de burros. La culpa de que seamos los que peores calificaciones tenemos, no es nuestra, es vuestra y de vuestros sistemas. 

Sepan ustedes que los medios de maduración más importantes son los que logran: desarrollo físico, emocional, intelectual y social, y las artes lo logran.

BORRADOR DE WERT

EL ARTE EN LAS REDES SOCIALES

Hoy en día podemos encontrar espacios donde mostrar  pequeños instantes y recuerdos de cada uno de nosotros. Además, son espacios "libres" para mostrar nuestras opiniones. Pongo "libres", porque aunque tenemos total libertad de expresión, podemos ser censurados por nuestras entradas o por nuestros comentarios.

Contamos con numerosas redes sociales:

- La más importante hoy en día es Facebook, ya que tiene más de 1350 millones de usuarios registrados en su base de datos. En esta red social se pueden hacer grupos con personas que comparten gustos similares. Puedes expresar sensaciones, sentimientos... en tu muro, se pueden mantener conversaciones mediante el chat con otros amigos, hace que se tenga contacto con personas cercanas a nosotros e incluso llegar a forjar nuevas amistades.

- Pinterest, es una red social que permite compartir imágenes, y que permite a los usuarios crear y gestionar en tableros personales, colecciones de imágenes como eventos, hobbies... La misión de esta red social es conectar a todos en el mundo, a través de imágenes que resultan interesantes.

- Blogger, es un servicio que permite a los usuarios crear y publicar una bitácora en línea, donde poder mostrar todos los intereses y opiniones a cerca de temas que pueden ser de gran interés para otras personas.

FRUSTRACIÓN

El arte nos enseña distintas formas de expresar nuestros sentimientos, ya sea mediante imágenes, vídeos o música. Como he dicho en otros post, el arte es la forma que tenemos de hacer ver a los demás como nos sentimos en un preciso momento.

Todos los jóvenes hoy en día nos sentimos más o menos frustrados con el mundo en el que vivimos, bien porque nos quieren quitar nuestros derechos o porque no vemos que se haga justicia con los distintos temas que hay en nuestro país.

Qué más da una imagen para expresarnos:

Que 100:

EL ARTE EN NUESTRAS DISTINTAS ETAPAS.

Podríamos valorar cual es el arte que más nos ha influenciado en nuestra vida, y seguramente que elegiríamos sin pensarlo el arte contemporáneo, llegando a pensar que somos unos modernos y llegándonos a preguntar, cómo nos va a influenciar algo antiguo, algo vintage, algo que no es de nuestra época.

Pues bien, desde mi punto de vista creo que si miramos en nuestros recuerdos, podemos llegar a vernos como dibujábamos, y podremos ver que tenemos ciertas etapas marcadas:

- Cuando comenzamos a pintar y dibujar, nosotros apreciamos los objetos y vemos sus formas pero cuando lo vamos a representar en el papel, solo somos capaces de dibujar líneas y figuras simples, que se cruzan y se enlazan. Además, cuando las pintamos no seguimos un patrón, si no que pintamos y coloreamos a nuestro parecer. Esta fase que pasamos todas las personas yo la comparo con el Arte Abstracto. ¿Cuántas obras de arte hemos visto que nos han recordado a lo que hacíamos nosotros?.

El Arte Abstracto es un movimiento contemporáneo, que remite a lo más esencial del arte. La abstracción acentúa las formas y las aleja de la imitación.

(Obra de Joan Miró)

 (Obra de un niño de 2 años)

- La siguiente etapa en la que entramos es en la representación de la realidad mediante formas geométricas. Para nosotros era más fácil representar las imágenes reales mediante una forma geométrica sin apenas intentar dar a esa figura un aspecto creíble y real. 

Podríamos decir que estamos en una fase Cubista:

El Cubismo es un movimiento artístico que surge a comienzos del S.XX en Francia. No es otro -ismo, si no que es el movimiento que rompe con la pintura tradicional. Como mayor precursor está el español Pablo Picasso, conocido por sus grandes obras: "Las señoritas de Avignon", "Mujer del abanico"..., pero para mí, la obra más importante es: "El Guernica"

El Guernica es la representación del bombardeo de la ciudad de Guernica el 26 de abril de 1937 por la aviación alemana. 

- La siguiente etapa que pasamos, la podríamos asemejar con el Impresionismo, ya que llegada una cierta edad, intentamos representar fielmente todas las imágenes que se nos presentan.

El impresionismo: es un movimiento artístico, iniciado por Monet, se intenta una representación de acuerdo a la luz que se refleja en el objeto.

(Obra de Monet)

(Obra de un  niño de 10 años)

Ahora nuestra pregunta es: ¿por qué dejamos de dibujar y pintar?

Tal vez sea vergüenza a hacerlo mal, o simplemente el hecho de que lo asociamos a que son cosas de niños, pero desde mi punto de vista, pintar y dibujar es una forma de libertad, si no, mirar vuestros libros y apuntes, seguro que están llenos de pequeños dibujos de cuando estáis en clase o estudiando y necesitáis evadiros de ese sitio. Nunca dejamos de dibujar, nunca dejamos de expresarnos de una manera artística, lo único que hacemos es que dejamos de mostrar esa pequeña parte artística de nosotros a los demás.